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— 3 mars au 30 avril 2022

We are not alone
Pascal PROUST

Artiste plasticien

Tapisserie, dessins, multiples, sculptures

Saint Florent le Vieil

We are not alone

Catalogue d’exposition

L’artiste plasticien Pascal Proust interroge notre relation à l’architecture, à la ville et à son urbanisme.
Pour son exposition à l’espace MIRA We are not alone, l’artiste présente les quatre tapisseries « Cités Tissées », une nouvelle série de dessins réalisés en technique mixte sur le patrimoine architectural industriel de notre région, et dans ses nouvelles linogravures, l’artiste nous propose une autre lecture de l’urbanisme de la ville de Nantes, ludique et utopique. L’artiste expose également des sculptures en acier corten brut ou laqués.

WE ARE NOT ALONE

C’est une chanson de Nick Cave qui donne son titre à l’exposition de Pascal Proust à l’espace Mira : assez mélancolique, elle décrit un monde peuplé de présences invisibles et de regards aux aguets, et révèle une pensée tournée vers le monde non-humain, qui nous observe sans qu’on en ait conscience. Au-delà des connexions formelles qui traversent l’ensemble des œuvres, ce sous-bassement conceptuel-pop mérite qu’on s’y arrête : l’artiste semble sensible aux questionnements fondamentaux relatifs à la construction de l’identité humaine, aux relations interrègnes et au passage du temps.
En ce sens, il rejoint la philosophe américaine Donna Haraway : dans son Manifeste des espèces compagnes, elle décrit la solidarité diffuse et persistante entre les espèces, et la création d’alliances avec les êtres autres, non humains et même non vivants. Entre corps, architecture et paysage, les circulations prolifèrent.

MUTATIONS

L’œuvre protéiforme de Pascal Proust est habitée par les phénomènes de transfert et de traduction : dessins transposés en maquettes, utopies géographiques traduites en tapisseries, en empreintes photographiques prolongées graphiquement ou en volumes architecturaux. Ces processus de transformations opérent par glissements d’un langage à un autre, d’une forme à une autre, d’une échelle à une autre. Les continents de l’imaginaire organisent ici une forme de dérive.
Au centre de l’exposition, présentés sur socle ou posés au sol, des volumes architecturaux déploient leur esthétique minimale, structurés autant par leurs vides que par leurs pleins. Tous semblent appartenir au même espace-temps, peu situable, entre archaïsme et accents sci-fi, implacable géométrie et organicité diffuse. Ils apparaissent à la fois autarciques et habitables mentalement, et rappellent parfois les déclinaisons orthogonales dépouillées de Malevitch. Pascal Proust introduit la notion d’autonomie formelle dans le processus même de construction de chaque micro-architecture, envisagée comme un origami de métal : l’artiste dessine, puis procède par découpe laser et pliage de la feuille de métal initiale.
Dans une logique d’assemblage, il réinvestit parfois le squelette de ses découpes (mis habituellement au rebut) dans la construction, pensée donc sur le modèle d’une économie circulaire.

ROUGE TSCHUMI

L’éclatante couleur rouge qui laque une partie de ces sculptures renvoie à l’histoire récente de l’architecture, et plus précisément aux Folies de la Villette, ces pavillons conçus par l’architecte Bernard Tschumi en 1983 pour la création du grand parc parisien, et dont la couleur fétiche, ce rouge reconnaissable entre tous, est ici reprise par Pascal Proust. L’artiste est aussi attaché à l’élaboration de ces architectures : toutes conçues sur le principe de déclinaison d’un cube rouge de 10,8 mètres de côté, elles sont plus ou moins ajourées, et laissent apparaître une structure de 27 cubes plus petits, de 3,6 mètres de côté. Leur nom générique renvoie par ailleurs aux Folia baroques, variations musicales sur une basse immuable conçues vers 1700, aux folies des jardins du XVIIIe siècle, fabriques extravagantes ou pittoresques à découvrir au détour d’une promenade, mais aussi au nom commun folie. Autant de strates référentielles qui nourrissent le substrat des architectures-sculptures de Pascal Proust.

ACCORDS CORTEN

D’autres sculptures arborent les douces variations chromatiques de l’acier corten, un acier vivant composé d’alliage de cuivre, chrome, nickel et phosphore, qui évolue dans le temps et sur une période variable selon les conditions d’exposition de la matière. En utilisant l’acier corten qu’il fixe au cirage lorsque la teinte s’est patinée selon ses vœux, Pascal Proust introduit une dimension plus organique, avec des textures moins lisses et des variations qui vont de la peau de pêche à la rousseur safranée. L’aspect brut et dépouillé de ces œuvres s’allie à leur capacité traversante, pliages-reliefs qui invitent à la circulation du regard et aux dialogues harmoniques des architectures entre elles.

VILLES INVISIBLES

C’est au cours de sa dernière résidence en Norvège en 2019, dans la ville de Stavanger, que Pascal Proust fixe le protocole qu’il prolonge dans l’espace Mira : à partir de captations photographiques du territoire urbain, l’artiste produit des empreintes, transferts d’images qu’il enrichit ensuite au Rotring, avec les appareils de dessin d’architecture. La ville s’hybride et devient une image de la complexité du monde, comme dans le roman d’Italo Calvino intitulé Les Villes invisibles : « Les villes comme les rêves sont faites de désirs et de peurs, même si le fil de leur discours est secret, leurs règles absurdes, leurs perspectives trompeuses ; et toute chose en cache une autre. »
Dans chaque composition, le dessin permet de multiples extensions et rebonds imaginaires, parfois en total décalage avec la réalité : les silos en bord de Loire, longés de rails de chemin de fer, se muent en locomotive, ici le modèle futuriste 12 004 que l’auteur de bande dessinée François Schuiten met au centre de son album La Douce, publié en 2012. Là, une grue enjambe le paysage. Ailleurs, les Silos du port de Saint-Nazaire, porteurs de l’installation de Felice Varini (Suite de triangles, 2007) deviennent des embarcations aux voiles rouges, en hommage aux aplats de Franco Costa, peintre officiel de l’America’s Cup. Par analogie encore, la Tour Lu devient phare, le château de Nantes, entouré de douves, l’île de Versailles et l’île aux palmiers du Jardin des plantes de Nantes se métamorphosent en archipels connectés par d’inédites liaisons maritimes.
Dans une approche précise des techniques, entre transfert photographique, dessin et linogravure, l’artiste transforme le réel en labyrinthe urbain, joue avec les formes et les contours d’une carte, avec les découpes d’un paysage industriel ou la frange d’un horizon.

CITÉES TISSÉES

Dans le film d’anticipation d’Alex Proyas intitulé Dark City, la ville se reconfigure chaque nuit, les quartiers se déplacent et les rues se reconnectent, de nouveaux édifices apparaissent aussi. Ce fantasme de la reconfiguration innerve les quatre Cités tissées présentées par Pascal Proust au mur : quatre grandes tapisseries qui raccordent les humains entre eux, mais aussi les paysages naturels, les réseaux routiers, les fleuves, les villes et leurs architectures. Elles renvoient à l’idée d’utopie – au sens étymologique ; non en tant que structures parfaites mais en tant que topographies abstraites, élaborées par l’esprit et ne se trouvant nulle part. Au centre de chaque composition, un médaillon emblématique donne l’impulsion : l’île Utopia de Thomas More, la cité éphémère du Burning Man, ou encore la bibliothèque infinie inspirée d’une nouvelle de Jorge Luis Borges. Autour, des maillages de lignes qui combinent des cartes réelles (celle de certains fleuves, grandes cités, bibliothèques ou déserts) à une mise en relation idéelle. L’artiste refait le monde, en tentant peut-être de pallier cette pathologie contemporaine du lien, si paradoxale dans un monde ultra connecté. Ces liens se matérialisent dans la technique même du coton tissé, dont la couleur et la trame s’accordent chromatiquement à l’iconographie de chaque tapisserie. Entre voyage et immobilité, réel et imaginaire, passé et avenir, vide et prolifération, les mondes imprévisibles de Pascal Proust rendent enfin un hommage au dessin, champ en extension qui colonise toutes les formes et les surfaces de l’exposition.

Éva Prouteau, critique d’art

Crédit photo: Germain Herriau et Mira pour les sculptures Folies rouge et corten

AU FOND, DOUCEUR ANTIQUE
Dans le flou, toujours, l’artiste convoque la mémoire et les traces du passé, et ces enjeux mémoriels s’articulent fortement avec des questions de matérialité et de techniques. Toute une partie de l’exposition présentée à l’espace MIRA explore la question des collections à jamais perdues, dilapidées au fond de l’eau. Enfant, l’artiste était fasciné par les reportages de plongées en grande profondeur, ces images où les plongeurs manipulent des objets bousculés dans leur grand sommeil, et le moment critique où l’objet remonte à la surface, est déposé sur le pont du bateau et nettoyé de ses scories sous-marines. Poétique et magique, l’image de l’objet oublié laisse la place à une réalité brutale et crue.
Dans l’exposition, la série des visages antiques, très doux, revisite ce souvenir : les visages surimposés y vibrent, comme lorsqu’on nage les yeux grands ouverts sans lunettes de plongée. Pour obtenir cet effet tremblé, l’artiste a dû sortir de sa zone de confort graphique, et aller vers une économie du dessin, dans un geste plus brusque et instantané.
Ces compositions stratifiées rappellent assez directement les merveilleuses Transparences de Francis Picabia : ce dernier, pour éviter l’ennui que lui cause les tableaux qui lui apparaissent « comme congelés en surface immobile », multiplie entre 1924 et 1932 les compositions en couches multiples, qui défient la perspective traditionnelle pour créer ce que Marcel Duchamp décrira comme une «troisième dimension sans recours à la perspective». Dans le même état d’esprit, Jérôme Maillet fait danser les lignes : les cinq plaques de verre sérigraphiées d’Éclipse II, disposées dans un caisson en bois, prolongent ces jeux de feuilletages, avec des points de focales et des percées dans la matière, pour combiner des phénomènes de transparences aux phénomènes d’occultation, association entre le visible et l’invisible, entre le temps et l’espace.

ECLIPSE 70x100cm / sérigraphie 6 passages / 12 ex. / papier Old Mill 350gr

GRANDE BLEUE
Face à l’océan, à le regarder pour le représenter, Jérôme Maillet s’est souvent posé la question de la fragmentation : comment amener plusieurs lectures sur cette immense masse à la fois trop simple et hyper complexe ? La couleur joue un rôle important dans cette traduction des variations infinies du motif marin. Ainsi, de même qu’il incorpore dans la nature même du dessin les perceptions visuelles éprouvées dans la matière marine, l’artiste multiplie les approches chromatiques, avec des nuances subtiles de verts, de bleus, de terre d’ombre et de contours noirs. Du bleu céruléen à l’émeraude, de l’aigue-marine au vert opaline, l’exposition imprègne l’ensemble des paysages de ce nuancier étendu, et trouve peut-être son point d’orgue dans le foulard Abysses, délicate association de bleu nuit, vert menthe à l’eau et ivoire. Un carré de soie qui serait comme un coin où se blottir au calme, dans un cocon minéral et végétal, en immersion dans la couleur.

Éva Prouteau, critique d’art

Foulard ABYSSES  85x85cm / impression au cadre par Pierre Verdon / 3 passages / 50 ex. / sergé de soie 72gr tissé en France  / finitions roulotté main / MIRA éditions

Les oeuvres multiples et le foulard sont disponibles à la vente sur l’eshop.

Eshop

Abysses

Nous sommes heureux de vous présenter l’ exposition A b y s s e s de l’artiste Jérôme MAILLET,
du 25 novembre 2021 au 26 février 2022 à l’espace MIRA.
L’artiste y présente une nouvelle série de dessins et de sérigraphies sur papier, verre et soie.
Pour cet évènement, MIRA éditions est heureux d’éditer un nouveau foulard en sergé de soie, à partir d’une création de l’artiste,
imprimée au cadre par l’artisan sérigraphe Pierre Verdon de l’atelier Parades à Nantes.

Un concert de du groupe Mohair prévue le 16 décembre est reporté au 25 février 2022, pour une soirée rock – psyché – wool !!

ABYSSES

Matières et paysages mouvants.
Instantané où l’horizon et la profondeur se choquent.
Vision trouble de ce qui semble connu.
Déceler alors des formes de paysages qui prennent place dans des profondeurs aléatoirement lumineuses.
Obscurité.
Immersion dans un abyssal décor où se déploie une collection perdue.
Matières et paysages immobiles.

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Pascal Proust

L’artiste plasticien Pascal Proust interroge notre relation à l’architecture, à la ville et à son urbanisme.
IL bouscule l’ordre établi des formes, il engage le questionnement sur la perception de la réalité, de l’authenticité de nos habitudes visuelles et déplace le regard dans le champ de l’invisible, de l’espace, du rêve et de l’utopie.
Par le jeu de l’abstraction, il s’éloigne des codes classiques de représentation, invente un nouveau discours relatif aux formes, aux échelles et à la perspective.Ce discours s’exprime par une stylisation dynamique de l’espace.
Dans ses propositions plastiques, l’image produite se dissipe dans un va-et-vient constant entre rêve et réalité, il invite l’observateur à se projeter dans un espace inexistant, immatériel, à déplacer les représentations mentales de notre environnement par le truchement du regard porté sur ce qui nous entoure. Il naît dans sa production, un univers hybride, archi-utopique qu’il explore à travers les différentes techniques que sont la peinture, la sculpture, le dessin et l’installation.
Pascal Proust a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives en France, en Allemagne au Maroc ainsi qu’en Norvège et en République Tchèque, en collaboration avec l’Institut Français. Né sur les bords de Loire, il vit et travaille à Saint-Florent-le-Vieil.